Exhibition 2015

산마오 캐릭터 80주년 기념전

2016-04-25T04:30:00+09:00

W Story

2015-05-11T17:35:32+09:00

장노아 <두바이의 부르즈 할리파(828m)와 여행비둘기(1914)>, Watercolor on paper, 76 x 57 cm, 2014

이진성(소노아트컴퍼니)

예술 작품을 뜻하는 Art Work의 W, 작업하는 과정을 의미하는 Workflow의 W, 그리고 Group W 라는 모임, 4명의 작가를 지칭하는 우리We의 W. 이것이 W가 전하는 이야기 《W Story》展이다.

Group W라는 이름의 모임을 가지고 있는 작가군 가운데 심윤아, 오새미, 장노아, 홍수정 등 네 명의 작가로 구성된《W Story》展은 다양한 기법과 매체를 사용하고 있는 이들의 작품 가운데 총 12점을 선보이는 전시이다. 참여 작가들을 그들They이 아닌 우리We로 칭한 것은 관람자적 시각에서 바라보는 3인칭 복수의 주어가 아니라, 그들이 스스로를 대변하는 1인칭 복수로 이들 네 명의 작가들을 묶고자 해서이다.

참여 작가 가운데 우선, 작가 심윤아는 불안과 공포에 대한 감정을 형상화시키는 작품 세계를 보여주고 있다. 그녀의 작품은 아크릴이나 수채 기법으로 얇게 발려진 물감들의 색채와 단순하게 처리된 계단, 그리고 형상을 알 수 없는 색채들의 덩어리에서 관람자로 하여금 무언의 감정적인 희석을 느끼게 한다. 작가 오새미는 현대 사회의 권력이 안기는 인간에 대한 지배와 힘의 불균형, 이에 따른 소외 등을 작품의 주된 내용으로 삼고 있다. 인간 삶에서 성공이라는 허상을 쫓으면서 발생하는 욕망의 치부를 건드리는 소재들을 통해 권력에 대한 욕구와 이와 더불어 함께 잃어가는 인간 본성에 대해 작품으로 끊임없이 고발하고 있는 것이다.

작가 장노아는 멸종위기의 동물군과 초고층의 마천루가 함께 공존하는 이미지로 작품 세계를 펼치고 있다. 흙 빛의 전체적인 작품 톤이 주는 안정감 있는 색채에서 작가는 희뿌연 먼지에도 비견되는 대기층을 표현한다. 이렇듯 비슷한 듯 다른 의미, 즉 안정감과 오염된 대기 그리고 선후의 인과 관계로 엮이는 멸종동물군과 도시풍경 등 어울릴 법 하지 않은 의미들을 중첩시켜 나간다. 그럼에도 작품에 공통적으로 등장하는 소녀를 통해 아직은 남아있는 ‘순수’에 대해 그리고 순수하고자 하는 인간 본연의 모습에 대해 희망을 놓지 않고 또한 이야기한다. <백지소녀>에서 출발해 현재 진행중인 작업 시리즈 <Swamp> <Grove>에서 흐르는 물감들의 얼룩과 기존의 사슬 형태들의 감각적인 생략 기법들을 취하고 있는 작가 홍수정. 그녀의 기존 작업이 의미들을 채워나가는 방식을 택했다면 이제는 작품 속에서 감정의 무게를 덜 실으며, 배제하고 덜어내는 방식으로 가벼워 지는 것을 볼 수 있다. 복잡하고 무거운 것에서 조금씩 덜어지면서 홀가분해지는 작가 내면을 일견 발견하게 된다.

이와 같이 각기 다른 표현기법과 나름의 철학들을 만들어가는 이들이 서로의 작품 세계와 철학을 공유하며 하나의 모임으로 자신들의 목소리를 내고 있는 것은 상당히 고무적인 일이다. 지극히 개인적인 예술 활동인 미술이라는 매체에서는 더더군다나 쉽지 않은 모임(Group W)이라 작가들이 여기에서 상생의 효과를 가지길 기대한다.

생명의 발아 _ 김소산

2015-04-13T22:13:01+09:00

김소산 <Shuttle image-2>, 종이에 안료, 과슈, 19 x 14 cm, 2008

이진성(소노아트컴퍼니)

현재까지 <화인>, <화생>, <Shuttle Image>, <Spore Space> 등의 시리즈들로 변화 양상을 보여주고 있는 작가 김소산의 작품들은 그러나 주된 작가적 언어와 함께 그 흐름을 이루고 있다. 우선 작가가 사용하는 색들을 보면 기존의 동양화(일견 한국화라 칭하여 지는)에서 자주 사용하는 색 보다는 원색적이고 화려한 채도 높은 색들로 이루어져있다. 그리고 형태적인 측면에서도 무언가 다잡아지는 분명하고 익숙한 형태의 외형보다는 작가가 만들어낸 독창적인 모양들이며, 사용하는 재료들 역시 기본적인 동양화 재료에서 출발해서는 이후 다양한 매체들의 사용과 오브제적인 요소들의 가미 등으로 변모하고 있다.

이러한 변화는 사실 외형을 바꾸고 있다기 보다는, 더욱더 선명하게 생명들의 속성에 대해 드러내고 있으며, 끊임없이 얘기하고자 하는 바 역시 생명에 대한 이야기이다. 여기에서 생명표현의 방법에 변화가 모색되었다고 보는 것이 타당하겠다. 작가는 우주를 형성하는 생명에 대해 작품으로 대변시켜 요소 요소들의 구성들을 본인의 언어로써 채워 가고 있는 것이다. 대부분의 예술가들은 본인의 창작품에 생명을 불어 넣는다. 마지막 방점을 찍듯 화룡점정을 찍어 생명의 숨결을 불어넣듯 마지막 일필을 취한다. 특히나 김소산에게는 그러한 생명의 생(生)과 사(死)에 대한 자연의 원리가 작품 전체적으로 녹여져 있다. 각각의 개별적인 작품들에서 그 출발은 지극히 작은 세포에서 비롯된다. 그리고 이 세포들이 모여 작은 은하계를 구성하고, 이들 각각에는 별개의 이야기들이 저마다 담겨 있다. 이러한 구성체들이 모여 비로서 확장된 의미의 우주로 펼쳐진다는 개념, 이것이 작가 김소산의 세계인 것이다. 그렇기에 작가는 생명과 우주, 생과 사에 대한 본질적인 질문들로부터 작품을 제작하기 시작 한다. 이러한 작가적 태도는 작은 세포가 분화된 작품 시리즈 <Spore Space>에서 더욱 잘 엿볼 수 있다.

오랜 기간 동안 작가와 작품을 관찰하다 보면 한가지 공통점을 느끼게 되는데, 그 둘이 많이 닮아 있다는 점이다. 오래산 부부들이 삶의 굴곡들을 같이 겪으면서 닮아 가는 것과는 조금은 다른 의미인데, 다른 두 개체가 시간을 보내면서 닮게 되는 것이 아니라 둘 중 하나에 의해서 다른 하나는 투영되는 이미지를 발아하게 되는 경우이다. 작가가 지닌 감성과 취향 같은 것들이 작품에 투과되어 반영되기에 닮을 수 밖에 없게 된다. 이는 마치 거울을 마주하고 있는 전사되는 이미지라기 보다는 특징적인 요소와 내면과 같은 부분을 담아내면서 비로소 드러난다. 이번 전시를 통해 작가 김소산이 작품에 던진 생명의 첫 시작과 생명력이 움직이는 응집된 발아(發芽)에서 작가의 모습을 발견하게되길 바란다.

봄날의 봄을 기다리다 _ 이상선

2015-03-09T22:33:09+09:00

이상선 <아해(개구장이)_날으는 들꽃>, acrylic on canvas, 117 X 80cm, 2010

이진성(소노아트컴퍼니)

흩날리는 꽃잎들과 화면에 눈맞춤하는 어린아이들이 등장하는 작가 이상선의 작품 시리즈 <아해(兒孩)_날으는 들꽃>은 시인 이상(李箱 , 1910 – 1937)의 시(詩) “오감도(烏瞰圖)” 가운데 등장하는 ‘아해(兒孩)’에서 차용된 단어이다. 그러기에 작가의 작품에 앞서 이상의 오감도를 간략하게 얘기하자면, 시인은 이 시에서 식민지 현실 속에서 그 어떤 변화도 꽤하기 힘든 무기력한 인간으로써의 스스로를 아이(아해/兒孩)에 비유해 서술하고 있다. 그러나 이런 시대적 상황 하에서 일개 개인이 겪었어야 하는 우울감과 오감도라는 시를 모른다 하더라도, 이상선의 작품에서 마주하게 되는 아이들은 마냥 행복하고 사랑스럽지만은 않다.

마치 먼지가 부옇게 켜켜이 쌓인 누군가의 아날로그 사진첩에서 찾을 수 있는 어린 시절의 한 장면 같은, 그러면서도 간략하게 정제된 색감과 붓 터치, 때로는 수줍은 듯 돌려진 시선 속에서 어른이 된 뒤에는 가져보지 못한 순수라는 단어를 떠 올리게 만드는 모습. 얼핏 작가의 작품들은 해맑은 어린이들의 모습을 그려냈다고 보일 수도 있으나 작품에서는 공통 기저로 슬픔이 묻어 나온다. 이를 슬픔이라는 애잔한 감정으로 설명할 수 있는 것인지, 일종의 우울감이라는 마음 한 켠 저 밑바닥의 들쳐내고 싶지 않은 파편들에서 오는 실체 없는 부끄러움인지는 모르겠다. 어떤 것이건 간에 이상의 오감도 아해와 이상선의 그것은 감정적인 부분에서 오버랩되는 지점이 존재한다.

꽃잎들이 날리는 화면의 ‘날으는 들꽃’들은 봄을 지향하고 있어 보인다. 소원한 봄은 오고야 마는 계절이다. 그러한 봄의 인상은 따뜻한 햇살과 바람결에 전하는 살갗을 부비는 고운 공기, 앙상하기 그지 없는 마른 나무 가지 위 연두빛의 연하디 연한 숨결로 대변된다. 이런 봄을 기다리는 것은 더운 여름이나 무르익은 총 천연색이 만연한 가을을 지나면서가 아닐게다. 시린 찬 바람 가운데 흐린 회색 빛의 하늘을 올려다 보게 되는 겨울, 그 가운데 기다림이 찾아오기 마련이다. 봄은 사계절 가운데 하나인 봄(春)과 오감 가운데 하나인 봄(seeing, 보다)의 중의적 의미를 지니고 있다. ≪봄날의 봄을 기다리다≫라는 전시 제목은 이러한 의미들이 함축되어 있다. 작가의 <아해(兒孩)_날으는 들꽃> 시리즈를 보며(seeing) 다가올 봄(春)을 기다려 본다. 인생의 봄이건 계절의 봄이든 따뜻할 테니. 난해한 시에서 분화된 시인의 자조적인 감성과 회화 작품에 녹여진 작가의 감수성은 앞서 언급한 비슷한 지점이 있으면서도 다른 점이 있다. 그것은 이따금 작가가 던지는 희망에 대한 기다림에 있다. 현실의 힘겨운 상황 속에서도 따뜻한 봄의 인상을 말이다.

Over there

2015-02-09T22:39:37+09:00

이진성(소노아트컴퍼니)

한 소녀가 두 손을 모으고 먼 하늘 발치의 지평선 너머를 보면서 “Somewhere over the rainbow"를 부르는 장면, 바로 뮤지컬 영화 ‘오즈의 마법사(1939, 빅터 블레밍 감독)’의 한 대목이다. 오랫동안 잊혀지지 않는 이 장면은 노래 가사의 뜻을 잘 모르던 유년 시절이었음에도 주인공의 감정에 이입되어 지금까지도 뚜렷이 기억되고 있다. 이렇듯 덜 명확하더라도 감성적으로 공감이 되었던 것은 주인공 도로시(주디 갈란트 분)의 맑고 청아하면서 약하게 떨리는 목소리, 하늘을 배경으로 시선이 머무는 풍광 등등이 이유였으리라.

주인공이 원하는 무지개 너머 어딘가 는 무언가 현실과는 또 다른 어떤 것이 존재하는 곳이었듯이, 이번 전시 《Over there》展은 각기 다른 장르와 소재들로 작업하는 작가 9명의 작품을 통해 그 너머, 거기에 존재하는 각 각의 9가지 이야기를 읽어보고자 한다.

전시 작가들은, 여행지의 풍경을 종이에 드로잉한 곽정명, 라인드로잉을 모태로 평면작품과 영상 및 벽화 작업을 하는 박은선, 한지에 수묵 재료로 출발해서 최근에는 옻칠화를 선보이고 있는 성태훈, 세밀한 관찰과 표현력으로 관람객을 압도하는 이석주, 목탄이라는 단순화된 재료로 보드라운 자연의 미를 강한 명암대비로 작품화하는 이재삼, 전통적인 소재와 현대적 색감의 이열, 어린아이의 낙서마냥 막힘 없이 재기 발랄함을 선보이는 임태규, 한국화의 번짐과 깊은 맛을 느끼게하는 풍경으로 작업을 이어가는 오용길, 선명한 색감이 조화로운 하정민 등이다.

현실에 존재하지 않는 어딘가를 향한 그리움 내지는 소망처를 일컬어 동양사상에서는 “이상향＂이라 명명하기도 한다. 이는 소원하는 바를 담아 빌어보는 구복 신앙적인 믿음이 잠재되었을 수도 있고, 전혀 새로운 무언가가 존재하는 곳, 혹은 무엇(사물)일 수도 있다. 중요한 점은 관찰하는 관찰자의 시선과 감성 그리고 감정이다. 이들 작가들의 작품 속 이미지며 형상들의 세계는 오롯이 작가 개인의 몫이기도 하고 관람객과 하나 되는 또 다른 세계를 지향하기도 한다. 본 전시에서 다양한 질료들과 소재, 기법으로 표현된 미술 작품들이 담아내고 있는 “over there(저 너머, 저기)”는 어디인지, 혹은 무엇인지 느껴보는 계기가 되길 바란다.

치유치유의 이 상한 나라 _ 치키홍

2015-01-05T22:47:47+09:00

치유치유의 이 상한 나라

이진성(소노아트컴퍼니)

작가 치키홍의 작품 캐릭터 가운데 하나인 치유치유(Cheeyou Cheeyou)는 21세기를 살아가는 현대인의 고독한 자화상을 대변하고 있다. 원색적인 색감과 귀여운 이미지의 무표정한 캐릭터들이 표현하는 이미지들은 단순화된 몸 동작이나 간략한 주제 의식 이상의 무언의 언어들을 담고 있다. 작품의 제목과 캐릭터의 무표정한 소재들 속에서 무방비로 상처 받고 내 몰리는 안타까운 인간 군상을 나타내고 있으면서도, 캐릭터의 이름을 명명하길 ‘치유치유’라는 이중적인 의미 부여를 하고 있는 작가의 모습에서 그럼에도 불구하고 작가는 나름 상처에 약을 발라주듯이, 반창고를 붙여주듯이 이리저리 치이는 우리를 어루만져 주고 있다. 작가적 언어로써 말이다.